Primero fueron Astérix y Obélix, Tintín y Milú...
después llegaron Los Hermanos Dalton,
más tarde D´Artacan y los Mosqueperros,
después Los Cinco...
y ahora llegan ¡¡Los Chonis!!
Hoy voy a hablar sobre un autor del que he leído casi todas sus obras: Wilkie Collins.
Se trata de un escritor inglés del s. XIX, contemporáneo de Dickens. De hecho, estos dos escritores fueron amigos y llegaron a publicar alguna obra juntos.
Los libros de Wilkie Collins son de los que enganchan desde el principio hasta el final. Esto se debe a que publicaba sus novelas por fascículos, en revistas, por lo que tenía que mantener la atención de sus lectores de una entrega a otra.
El primer libro que leí de este escritor y que me convirtió en su fan más incondicional fue La Dama de Blanco. Es una novela policiaca, de amor y de intriga todo junto, ambientada en la época victoriana y contada por varios narradores, lo que resulta muy interesante.
Se lee con rapidez, a pesar de tratarse de un volúmen de muchas páginas.
“Blue flower” es obra de Lisa DeJohn, una joven pintora nacida en Michigan que estudió Bellas Artes en la Universidad de Oregón.
Quizás su cuadro nos resulte familiar y, sin embargo, el trabajo de Lisa DeJohn todavía no es muy conocido. Esto se debe que la lámina “Blue flower”, copia del original, se puede adquirir en los grandes almacenes IKEA por tan sólo ocho euros. Un habitante de Emiratos Árabes Unidos y un japonés pueden decorar su vivienda de la misma manera. Además, desde hace poco, la obra completa de Lisa DeJohn se puede comprar en todo el mundo a través de su página de internet.
Nos preguntamos ahora, ¿cómo es posible que se comercialice este cuadro en tan diversos lugares? Probablemente la globalización y los medios de comunicación nos han inculcado gustos comunes. Si observamos el cuadro vemos que se trata de una combinación de colores simple y armónica, azul celeste frente a azul marino y verde botella frente al color pistacho, una cierta simetría vertical y un tamaño de flor desproporcionado que hace que el conjunto resulte más llamativo. Formas simples como líneas rectas o elipses forman los contornos de la flor y encierran los colores. Se trata de una composición alegre, válida para decorar cualquier espacio de la casa, ya que no resulta cargante y puede armonizar un entorno.
Otros grandes almacenes que han sabido ver los colosales beneficios que reporta la venta de láminas son los de Leroy Merlín, por lo que se han sumado ya a lista de tiendas que las distribuyen. Ahora mismo podemos comprar en estas tiendas una lámina del reconocido pintor Mark Rothko. El acierto de la persona que seleccionó esta obra para comercializarla se basa en la mezcla de formas sencillas y colores alegres. El nombre del pintor está escrito con letras diminutas en la base de la lámina, y esto nos puede hacer pensar, ¿se fija el comprador en el nombre del artista?, ¿sabe que el cuadro original vale millones?
Reunidos ayer en acto extraordinario la Junta de Sabios de la Orden de Bethancourt, acuerdan por unanimidad:
1.- Otorgar a don Queque de todos los Santos la LIBERTAD, tras su añito en el infierno de oscuridad y tinieblas.
2.- Otorgar a don Queque la Orden de Friki Tunelero, pese a no haberse abrazado a ningún pilar, haberse ido a Rusia la semana antes del examen, no haberse quedado prácticamente ningún día a la última hora de clase, no solicitar que los descansos fueran más cortos, dedicarse a hacer sudokus en clase con la PDA y no haber realizado preguntas en ninguna sesión, cuando sin embargo, no faltó a ninguna merienda ni comida organizada por los responsables.
Es uno de los pequeños inconvenientes de ser choni y de Villaverde Alto a la vez. Igual lo de Villaverde (Alto insisto) no influye, pero tengo entendido que a los de Arturo Soria no les pasa.
Cuándo aparece: Cuando menos te lo esperas, en cuanto te descuidas...zas! la llevas puesta, pero siente debilidad por los viajes y grandes comilonas.
Sintomatología: Inflamación, en ocasiones dolorosa, del bajo vientre ( no me refiero a las partes pudendas) Pérdida temporal del hambre (puede durar incluso varios minutos)
Tratamiento : Masajes circulares o rectangulares en la zona afectada. Posicionamiento horizontal sin desarrollar ningún tipo de actividad Repetición, no cada ocho horas, ni siquiera cada cuatro, cada media aprox, de la expresión: Ay, tengo la bola de la tripa!
Posibles efectos adversos: Desalojo masivo de sustancias del organismo, ya sea así o asao (pa qué profundizar) Cansancio generalizado de familiares y/o amigos, seguido de risas y burlas sobre el tema (se nota que no lo padecen)
Tener cuidado en caso de : Embarazo, nunca he estado en esta situación, pero me imagino que debe ser incómodo que se junte el hambre con las ganas de comer. Momentos de "me encanta ser mujer", ésta si la sufro de vez en cuando y joder, jode.
Ajeno a la Guerra de la Independencia, el pintor francés Jean Auguste Dominique Ingres pintaba en 1808 la espalda desnuda de una mujer que se disponía a tomar un baño.
Ingres dedicó su vida a la pintura y al violín. Rafael fue el maestro del Renacimiento que inspiró a Ingres en la pintura.
Contemplemos ahora el lienzo y veamos lo que hemos observado. Ingres creó un espacio de calma en un entorno armonioso. ¿Cómo lo consiguió? Si nos fijamos bien encontraremos al protagonista indiscutible del cuadro. La luz le ha robado este papel a la mujer. Pensemos de dónde podría provenir la luz. Parece que de un pequeño foco, podría ser un ventanuco alto situado a la izquierda de la mujer. La luminosidad del cuadro hace que dirijamos nuestra primera mirada a la espalda, zona a la que llega más luz, y que lo que se haya tras la cortina pase a un segundo plano.
Las pinceladas delicadas que la dibujan la espalda forman un volumen en el que no se adivinan los huesos. El contorno de los músculos tampoco se percibe. ¿Era éste el ideal de belleza femenina? Sin duda, lo sería. El cuerpo voluptuoso de una mujer se asociaría a buena salud y a delicadeza. Sin embargo, Ingres no pintaba las figuras perfectamente proporcionadas sino que la forma del cuerpo se debía adaptar a lo que él consideraba bello. Si nos fijamos otra vez veremos que el torso de la mujer es proporcionalmente más grueso que las piernas.
Fijémonos ahora en la bañera, ¿es un elemento importante? Volvamos al cuadro. Tapemos con la mano izquierda la cortina. ¿Se podría haber pintado así el cuadro? Seguramente sí. Quizás el motivo por el que el pintor incluye la bañera sea por los prejuicios de su época, que le obligaban a ambientar sus cuadros en baños o escenas míticas de manera que un contexto justificara el desnudo.
Veamos ahora las telas de la cortina o del paño que recoge el cabello de la mujer. Ingres acostumbraba a hacer bocetos de sus modelos desnudos y posteriormente los vestía en sus lienzos, habiendo estudiado la ropa anteriormente con gran detalle. Por lo tanto, este profundo estudio le permitía conocer perfectamente cómo pintar las telas.
La técnica del pintor es delicada y la gama de colores es continua. Los colores empiezan, cambian y acaban en un mismo objeto sin sobresaltos, es decir, no se ven las pinceladas, los colores se difuminan. Sin embargo, a pesar su obra exquisita, como en otras ocasiones con otros afamados pintores, el Salón Oficial de París no reconoció este trabajo.
Esta noche he soñado que podía volar, era libre y cruzaba estas montañas que nos separan. Entraba en nuestro cuarto por la ventana, te acariciaba el pelo mientras dormías y desaparecían los miedos.
Otras noches no sueño, no duermo, no me deja descansar la conciencia. Me mantiene despierto mirando las estrellas, intentando encontrar una fugaz para pedirle un deseo, siempre el mismo: que se acabe el infierno.
Esta guerra está acabando conmigo, me mata cada bala que disparo. Ya poco queda del hombre del que tú te enamoraste y eso me aterra más que la idea de enfrentarme a los que dicen que son mis enemigos. Lucho por un color en el que no creo y en realidad sólo lucho por estar tu lado y ver crecer a Julia.
Estoy asustado, amor, temo que no me perdones y al mirarme a los ojos ya no puedas leer mis pensamientos y tenga que hablar para decirte que te quiero.
No sé cuánto tiempo estaré lejos de ti, ni en lo que acabaré por convertirme. Quiero que continúes con tu vida, que no me esperes, que no me llores. Lo poco que queda de mi morirá si te hago sufrir.
Ya os he contado antes una cosa rara que me pasa algunas veces. Cuando escucho palabras me imagino colores. No es que los vea, pero pienso en un determinado color.
Una vez, escuché en la radio a Juan José Millás (escritor) hablando de lo mismo. Mientras lo describía me daba cuenta de que a mí me pasaba algo parecido. Y fue entonces cuando descubrí que esta sensación se llama sinestesia.
La sinestesia es la mezcla de impresiones de sentidos diferentes. Un sinestético puede, por ejemplo, oir colores,ver sonidos, y percibir sensaciones gustativas al tocar un objeto con una textura determinada. Los sinestéticos perciben con frecuencia correspondencias entre tonos de color,tonos de sonidos e intensidades de los sabores de forma involuntaria. Por ejemplo, un sinestético puede ver un rojo más intenso cuando un sonido se vuelve más agudo, o tocar una superficie más suave le puede hacer saborear un sabor más dulce.
La sinestesia usualmente afecta a 1 de cada 25.000 personas y se encuentra más comúnmente en mujeres y zurdos. ¿Os he contado alguna vez que me gustaría ser zurda?
Esto lo he encontrado por ahí y es bastante curioso: En un experimento psicológico ideado por Wolfgang Köhler, se pide al sujeto que diga cuál de estas figuras se llama Booba y cuál Kiki.
La mayoría de la gente le asigna el nombre Kiki a la figura angular naranja y Booba a la figura redondeada violeta. Se piensa que esto tiene implicaciones en el desarrollo del lenguaje; es decir, que el mecanismo de poner nombres a los objetos no es totalmente arbitrario. Otra explicación sería que la forma redondeada suele recibir el nombre de Booba porque los labios forman una figura redondeada para producir el sonido. En cambio, los labios forman una figura más angulosa al pronunciar Kiki. Además, el sonido de las K es más forzado que el de las B.
En 1968 la National Film Board of Canada produjo la película titulada Cosmic Zoom, una película destinada a exhibirse en el museo de ciencia de Toronto que reunía todos los elementos para convertirse en una película de culto entre los niños de las flores del movimiento contracultural hippie y por extensión entre todos los aficionados al LSD.
Hay quien afirma que el propio Stanley Kubrick, deslumbrado por la originalidad del filme, se inspiró en él para rodar la célebre secuencia de 2001: Una Odisea del Espacio (estrenada también en 1968, un año antes de la llegada del hombre a la Luna) en la que el astronauta Dave Bowman viaja entre luces caleidoscópicas hacia otro estado de la percepción.
El concepto de Cosmic Zoom fue retomado en 1977 por IBM para producir uno de los documentales de divulgación científica más reconocidos, Powers of Ten.
Entre una y otra películas, el viaje cósmico canadiense ha pasado a formar parte de la imaginería norteamericana.
Amenofis IV fue faraón de Egipto en la decimoctava dinastía. Su reinado se consideró como una revolución religiosa y artística. Durante siglos, los egipcios se habían ocupado del culto a multitud de dioses como Horus, el dios de la luz que se representaba con la cabeza de un halcón, o Anubis, el dios de la muerte que se representaba con la cabeza de un chacal. En su reinado, Amenofis IV estableció como único dios oficial a Atón, el dios del sol, y retiró el culto a los demás dioses. El faraón establecería las relaciones entre lo divino y lo terrenal, por este motivo Amenofis IV cambió su nombre por el de Akhenatón, que significa “Rayo de sol de Atón”.
Desde un punto de vista artístico, hasta el momento existían reglas estrictas y cuanto mejor se copiaban los antiguos modelos mejor era el artista. Akhenatón introdujo nuevas reglas durante su reinado. Veamos cuáles son observando el relieve en piedra caliza que representa a Akhenaton con su mujer Nefertiti y sus hijos.
El relieve seguía respetando algunas reglas antiguas, como la de representar cada parte del cuerpo como mejor convenía, es decir, el rostro de perfil, el torso de frente o los pies de perfil. Otra regla que se mantuvo era la de situar todos los elementos del relieve en un mismo plano. Además, la tradicional escritura de los egipcios también está presente, aparecen incluso los “cartuchos” con los cinco nombres que se le daba al faraón (arriba a la derecha).
Pero empecemos con las novedades artísticas. En la parte superior del relieve aparece el dios Atón en forma de disco solar y sus rayos ponen en contacto al faraón con la divinidad. Ésto simboliza la novedad religiosa introducida por Akhenatón.
Por otra parte, si tenemos en cuenta que para los egipcios estos relieves no eran adornos sino representaciones que mantenían vivos a los faraones tras su muerte, ¿no sería más lógico representar al faraón realizando grandes hazañas para su pueblo? Akhenatón quiso que ésta fuese una escena poco convencional, pues es una escena familiar, que pierde la dignidad regia con la que se habían hecho representar los faraones hasta entonces. Además, a la reina Nefertiti se le otorga también el papel de diosa y su tamaño en el relieve es proporcional al del hombre, lo cual es muy novedoso, ya que hasta ahora las mujeres se habían representado más pequeñas que los hombres.
También es importante observar que el faraón no es un hombre perfecto, pues no tiene bellas facciones ni un vientre plano. Quizás, Akhenatón quiso retratos fieles a la realidad convencido de que su importancia como profeta le obligaba a representarse tal y como era.
En definitiva, Akhenatón fue un hombre revolucionario en su época. Tras la muerte de su hijo Tutankamón, el estilo egipcio volvió a seguir las reglas anteriores al reinado de Akhenatón y éstas nunca más se volvieron a rescatar.
No sé si conocéis a una escritora que se llama Clara Sánchez.
Yo la conocí hará un par de años, al leer una novela suya que tiene por título "Un millón de luces". Me gustó mucho, al igual que me ha ocurrido con otra de sus novelas, "Últimas noticias del paraíso", que acabo de terminar de leer. Esta última ganó un merecido Premio Alfaguara de Novela, que es un premio bastante prestigioso, cuyo jurado suele estar formado por personalidades muy destacadas del mundo literario.
Realmente, como me ocurre con la mayoría de los escritores que me gustan, no sé describir exactamente qué es lo que me atrae de su manera de escribir.
Clara Sánchez tiene un estilo bastante personal y una capacidad para contar cosas cotidianas, sentimientos normales, situaciones habituales de la sociedad actual, pero siempre desde una visión personal, peculiar, poética...
Pues ahí van esas dos recomendaciones para los que no las hayan leído...
Me gustaría presentaros a un miembro de familia que, sin llegar a ser un choni, come como un choni (8 kg de peso en ayunas lo demuestran), y tiene la bola de la tipa de un choni...
Mi gato SABELL
¿No os parece rebonico?
Desde luego he tenido mucha suerte, el único gato inmortal en toda Europa....y es mío!!!
Tiene diediocho años y aunque ya es mayor de edad, ha decidido no independizarse y quedarse a mi verita, para morderme de vez en cuando. No, no araña, muerde, que sabe que jode más.
Asturiano de nacimiento, todavía se le nota el acento bable al maullar: algo así como miauuuuo (por el efecto Doppler)
Le encanta dormir, duerme unas 22 horas diarias (imposible poner una foto suya con los ojos abiertos), la comida de Whiskas de pollo, los yogures danonino, asomarse a la ventana para ver los pajaritos, jugar con globos y pelotas de papel albal y restregarse en mi abuela.
Detesta el agua, el pescado, la colonia, que le peinen y le corten las uñas, a todo el mundo en general y a mi en particular, no pierde ocasión de demostrármelo.
No tiene rabo, nació así, como su madre y sus cuatro hermanos.
Aunque era todo un machote de Lanzarote, a la edad de un año sufrió un problema de capación y perdió los atributos.
En la foto puede apreciarse claramente: la ausencia de rabo y partes pudendas y la bola de la tripa.
Ha sido el transmisor de algunas de mis peores enfermedades (ya hablaré otro día de mi historial médico) y a pesar ello no puedo dejar de darle besitos...si es más salao que la mar!!!
En fin que le quiero yo más que a los bollos, ole mi niño!
El cómic está considerado por muchos como el noveno arte. Uno de los más célebres tebeos de la historia es el que protagonizó el popular personaje Tintín, creado por el dibujante Georges Remi, más conocido como Hergè. Para comentar sus tiras nos centraremos en una de las más importantes y polémicas que dibujó, “Tintín en el Tibet”. En esta aventura, Tintín viaja al Tibet para salvar a su amigo Tchang, a quien se ha dado por desaparecido tras un accidente aéreo en el vuelo de Patna a Katmandú.
Para dibujar "Tintín en el Tíbet" Hergè contó con la ayuda de su amigo Tchang Chong-chen, un escultor chino que conoció cuando ambos eran jóvenes. Años más tarde, cuando Mao Zedong declaró la Revolución Cultural en China muchos intelectuales fueron enviados al campo por decreto de Mao, para que recibiesen una “reeducación”, es decir, para acallar las ideas propias que podían discrepar con el Partido. Tchang Chong-chen fue uno de ellos. Hergè intentó enviar la publicación de la tira "Tintín en el Tíbet" a su amigo mediante numerosas gestiones diplomáticas con el gobierno chino, que no cesaba de devolver su paquete como "importación prohibida".
En general, el cómic puede transmitir al lector una historia de forma muy directa ya que las historietas cuentan e ilustran al mismo tiempo. En el caso concreto de las tiras de “Tintín en el Tibet”, además, están muy bien documentadas. En las viñetas veremos a “Miyou”, que es como los monjes tibetanos denominan al Yeti, a los mismos monjes preparando “tsampa”, que es la tradicional bebida elaborada a base de té, cebada de tierra tostada, mantequilla y azúcar, a los “sherpas” o pobladores del Himalaya huyendo de un yac, etc.
¿Qué es diferente en las viñetas de Tintín? Hergè emplea colores muy vivos y los personajes, especialmente sus rostros, se dibujan con trazos sencillos. Por la nitidez en sus trazos y colores fue un dibujante revolucionario en su época. En cuanto al los diálogos, éstos resultan más cultos y sobrios que los de otros célebres personajes del cómic.
Para terminar, algunas curiosidades.
El término tebeo tiene su origen en el cómic español TBO que comenzó a publicarse en 1917.
“Tintín en el Tibet” fue una publicación prohibida en China, porque la compañía propietaria de los derechos de edición denunció el título con el que se lanzó la tira en este país, “Tintín en el Tíbet Chino”.
En el año 2006, el XIV Dalai Lama galardonó a Tintín en Bruselas con el premio Luz de la Verdad por haber difundido la cultura del Tíbet fuera de sus fronteras.
Steven Spielberg piensa hacer una película sobre Tintín, cuyo estreno está previsto para el año 2009.
Bueno, pues ésta es la antigua Casa Garay construida por Manuel María Smith e Ibarra en 1914. Está en la calle Almagro, 42 y actualmente es la sede del Colegio de Caminos. Bonito edificio, ¿verdad?
Casi cien años... Sería curioso remontarse a la época de la guerra civil y ver qué había y como se vivía en él... Estaría lleno de burgueses, como ahora, pero yo creo que tuvo que tener alguna prisión en su interior, porque actualmente, pese a lo bonito que es por fuera, alberga un calabozo terrible... el aula donde dan el tenebroso master de túneles...
Oscura y lúgubre, como un túnel, es el aula por la que han pasado expertos y no expertos para hablarnos de la deformabilidad de la matriz rocosa durante cinco horas y durante todos los días de la semana. Ésa era mi condena por haber decidido inscribirme... ¿La fianza? 9.500 €, ahí es nada...
Pero próximamente pueden aplicar una reducción a mi condena y darme la libertad. Y es que próximamente seré sometido a juicio por tres caballeros de la Orden de Bethancourt. ¿La sentencia? Liberado o condenado.
Una condena podría resultar fatal y quizá un juez dictaminase mi exención de la pena para proteger mi salud mental. Una liberación no tendría precio... No tendría precio... Que empiece el juicio ya o acabaré convirtiéndome en QueQue el Loco, como la Juana, aunque mi locura no sería por amor ni yo de Tordesillas.
Edwin Hubble ya había sido boxeador y abogado antes de que en 1917 rechazara la invitación del observatorio astronómico del Monte Wilson, el mejor de la época, para formar parte de su equipo de investigación.
"Siento no poder aceptar su invitación. Me voy a la guerra" fue lo que escribió en un escueto telegrama el día después de defender su tesis doctoral y un día después de que EEUU entrara a formar parte de los aliados en la Iª Guerra Mundial.
Años más tarde, tras el fin de la Gran Guerra y después de su vuelta a Monte Wilson dos descubrimientos extraordinarios le convirtieron en el indiscutible padre de la Cosmología moderna.
Hasta ese momento todo lo que se sabía del Universo se podía resumir en que el cielo nocturno estaba poblado de dos tipos de objetos:
Estrellas, soles parecidos al nuestro, que se distribuían al azar por el cielo y que parecían concentrarse en una banda de color blanquecino que los griegos llamaban galaxia (ga-lacta, lechoso, de la leche que a la madre de los dioses, Hera, se le escapó mientras amamantaba a Hércules) y que la tradición latina había transformado en Vía Láctea. ¿Por qué más concentrado en una banda? Nadie lo sabía.
Nebulosas, objetos difusos, con aspecto como de nubecilla luminosa, algunos con forma de elipse o de espiral, de origen desconocido.
Hubble fue el primero que consiguió distinguir estrellas individuales en esas nubes de aspecto gaseoso, y recogiendo las ideas de los universos isla de Kant afirmó que aquellas estrellas que veía en las nebulosas, no pertenecían a la Vía Láctea, si no que eran estrellas de otras galaxias. De hecho casi todas las nebulosas eran galaxias, y había cientos, miles, cientos de miles...
El impacto de la noticia fue total. Si Copérnico rebatió a Aristóteles la teoría de la Tierra como centro del Universo y propuso que el centro era el Sol, si Galileo descubrió que el Sol no era el centro del Universo y no todo giraba en torno a él, si Newton descubrió que la gravedad era lo que ligaba todo en el cosmos y el centro del mismo no era más que el centro de masas de todas las estrellas y planetas de la galaxia, Hubble daba otro giro a la ruleta de la perspectiva cosmológica y decía que había miles de millones de galaxias, cada una con miles de millones de estrellas. Demasiado para el 1923 de Al Capone, las metralletas Thompson, Alfonso XIII y el Charleston.
Los siguientes dos años que dedicó a medir las velocidades de las galaxias que iba descubriendo dieron como resultado uno de los mayores hallazgos de la historia de la Física.
Y por eso toca antes un poco de Física. ¿Como se mide la velocidad de una galaxia?
Los coches, la velocidad y el efecto Doppler.
Cuando los niños pequeños juegan a los coches y hacen el ruido de un motor al pasar todos suenan igual : "ñiiiiiiiuuuuuunnn". Primero "iiiiiii" agudo y luego "uuuuu" grave. Eso es el efecto Doppler.
Cuando un motor que suena está quieto, las ondas sonoras se propagan a la velocidad del sonido en todas las direcciones y cualquiera que lo oiga oirá el mismo tono del motor, la misma frecuencia a la que se emite, no hay ninguna razón para que no sea así.
Sin embargo, si el motor se mueve las ondas tienden a comprimirse delante del coche y a dilatarse detrás del coche sonando como un aparente cambio de frecuencia. No es que el motor cambie de frecuencia, si no que si alguien se pode delante del coche a escuchar, al emitir el coche cada vez más cerca del observador, la onda tiene menos camino que recorrer y resulta un sonido más agudo (baja la longitud de onda y sube la frecuencia).
Con la luz ocurre exactamente lo mismo, solo que en vez de hacerse el sonido más grave al alejarse la fuente, la luz se vuelve rojiza (sube la longitud de onda, baja la frecuencia) y al acercarse se vuelve azulada (baja la longitud de onda, sube la frecuencia). Este fenómeno se conoce como "Corrimiento al Rojo" (Redshift en inglés) o al azul.
Podríamos pensar que viendo de qué color es la luz que nos llega de una estrella podríamos conocer su velocidad. Bueno, más o menos. Así funcionan los radares pero para la luz de las estrellas es un poco más complejo.
Las estrellas, al igual que todas las cosas que emiten luz por el hecho de estar calientes, radian luz en todas las frecuencias. Por eso, aunque la luz de una estrella se desplace hacia el rojo por efecto de su velocidad, no la vemos más rojiza. La luz que en reposo era ultravioleta (más allá que el violeta) también se desplaza al rojo, entrando por el otro lado del espectro y conviertiéndose en violeta, con lo que el color total de la luz queda igual que si la estrella no se moviera.
Pink Floyd, la tabla periódica y los huecos en el espectro de la luz
La luz blanca es la suma de luz de todos los colores. Cada color se desvía según un ángulo diferente al atravesar un cristal y por eso la luz blanca se descompone en todos sus colores al pasar por un prisma. Los Pink Floyd lo sabían y quisieron recordarnoslo a todos en la portada del "Dark Side of the Moon".
La luz también campa por el Universo a sus anchas, bueno campa a sus anchas hasta que se encuentra con algo que hace de pantalla. Si se encuentra una pantalla un poco transparente como una nube de gas, parte de la luz la atraviesa y parte se queda retenida. La luz que queda retenida es de unos colores determinados, y depende tan sólo de la composición química de la nube que atraviesa.
El resultado es que en el espectro de la luz que nos llega a nosotros aparecen unas franjas negras en los colores que corresponden al elemento atravesado; algo así como poner un peine con algunas puas delante del espectro.
La gracia del asunto es que a cada elemento le corresponde un cierto peine, pero siempre el mismo. Así si se estudian las franjas en el espectro se puede determinar que elemento ha atravesado la luz.
Y si volvemos al efecto Doppler en la luz y vemos cuanto se han desplazado esas franjas hacia el rojo o hacia el azul respecto a su posición original en reposo podremos saber a qué velocidad se mueve la nube de gas que bloquea la luz.
En resumen, analizando la luz de una estrella se puede determinar que elementos la componen y a qué velocidad se mueve.
¿No es alucinante?
La expansión del Universo y 99 globos rojos
Cuando Hubble terminó de medir la velocidad de un buen puñado de galaxias pudo ver que unas se alejaban de nosotros y otras se acercaban como puede parecer razonable. Pero al hacer la media descubrió que en promedio todas se alejaban, y que además se alejaban tanto más rápido cuanto más lejanas eran estas galaxias.
Menuda sorpresa, si todas se alejaban de nosotros, podríamos pensar que somos el centro del universo, Aristóteles al fin y al cabo podría no haberse equivocado tanto.
Otra opción que nos colocaba en una posicicón mucho menos privilegiada era pensar que no hay ningún centro, que las galaxias se alejan entre sí porque el Universo se expande por igual en todas las direcciones.
Si nos imaginamos que el Universo es bidimensional como un globo y tal que sólo podemos movernos por la superficie del globo. Las galaxias pueden asimilarse a puntos pintados sobre el globo y al inflarse se separan unas de otras todas por igual. Algo así como esto:
- Comen más por la boca que por los ojos. Para un choni "como Dios manda" comer no implica tener hambre. Nos gusta cualquier clase de comida, los dulces en general y el chocolate y las chuches en particular (mención especial a la Nocilla, leche, cacao,....) - Adoran viajar y por encima de esto...planear viajes: 10 de cada 10 veces que quedamos, organizamos una escapada internacional, nacional, a Sanchi a comer castañas,...
5 de cada 6 chonis
- Saben montar en bici y amenazan al sexto y patos@ en cuestión con ir a Amsterdam y abandonarle a su suerte. Cuánto dolor causó verano azul...pi piri pipi pi pi pi piri piri
4 de cada 6 chonis
- Son mujeres y además están buenas, como diría mi abuela "da gusto de vernos" - Están felizmente emparejados...chan chan cha chan
3 de cada 6 chonis
- Son rubios, y los otros tres, por mucho que me cueste reconocerlo, somos morenos
2 de cada 6 chonis
- Son machotes de Lanzarote, aunque uno de ellos ha sufrido una operación en sus partes pudendas sin llegar a la amputación, total o parcial, de las mismas. - Son unos apasionados de la fotografía y tienen doble moral: lo mismo nos quieren cobrar al resto por las fotografías de nuestro viaje a Rusia, que le dan de gratis a un ruso cualquiera esas fotos, con cámara incluida. - Son grandes de espíritu, pero pequeñas de estatura. El tamaño no es lo más importante...
1 de cada 6 chonis
- Tiene una frikipandi con la que va allá donde las estrellas lo reclamen, igual da Cuenca que Guadalajara. La verdad está ahí fuera....tiririri... - Lleva a medida...no los pantalones ni las bragas, sino las lentillas o carpas. - Padece la angustiosa "Bola de la tripa". - Es capaz en el mismo día de: dar clase a 6 de sus 8 alumnos, ir al fútbol a jugar con su equipillo primero y a ver al Madrid después, acabar su tesina, leer un libro, ir al cine (incluso a varias pelis) y quedar tranquilamente para cenar. - Lo hace todo mal, sino la que peor, de los que lo hayan hecho o incluso de los que, no habiéndolo hecho, podrían hacerlo. - No escribe en este blog y además amenaza con no hacerlo nunca (nunca digas de esta agua no beberé, este cura no es mi padre y eso tan grande no me cabe)
Esta vez haremos apuestas sobre el precio de este cuadro. El afortunado/a que se aproxime más al valor por el que lo adquirió el empresario mejicano David Martínez será el ganador de la apuesta. Una pequeña pista, es el cuadro más caro del mundo. Se trata del cuadro “Nº 5, 1948”, pintado en 1948 por Jackson Pollock.
Pollock pintó esta obra de arte abstracto con una técnica denominada “action painting”, que consiste en proyectar la pintura contra el bastidor y dejarla chorrear. El resultado es una obra en la que la pintura “tiene vida propia” y en la que el azar interviene en el proceso de creación. Pollock afirmaba: "Cuando estoy en mi pintura, no soy conciente de lo que estoy haciendo. Sólo después de hacerlo, cuando hay una especie de pausa y toma de conciencia es cuando alcanzo a ver lo que he hecho. No me da miedo hacer cambios destruyendo la imagen… porque esa pintura en particular tiene su vida propia, yo sólo trato de que ésta surja para que se vea claramente".
Pero, ¿por qué el cuadro “Nº 5, 1948” es el más caro del mundo? En este caso en concreto la obra podría tener un valor especial para el comprador, no lo sabemos, pero además se trata de una inversión segura a largo plazo, como ocurre con las obras de artistas de renombre, pues su valor permanece inalterable o, por lo menos, es menos voluble que el de otras inversiones (no depende de ninguna fuente energética, de los avances tecnológicos, etc.).
De todos modos veamos la lista de los cuadros más caros a día de hoy. “Nº 5, 1948” ocupa la primera posición. Le siguen “Woman III” de Willem de Kooning, “Retrato de Adele Bloch-Bauer” de Gustav Klimt y los cuadros “Garçon à la pipe” y “Dora Maar au Chat”, ambos de Picasso. Luego podríamos concluir que las obras más revalorizadas hoy en día pertenecen al arte moderno. Por este motivo, algunos artistas contemporáneos tienen grandes expectativas económicas y crean su propio arte atendiendo a criterios de mercado. Además necesitarán un buen marketing, padrinos, galerías que se ofrezcan a especular con su “producto”, etc.
Una curiosidad. Lo máximo que Pollock pudo ganar en vida con la venta de un cuadro fueron 8.500 dólares. Ahora os toca a vosotros, el precio inicial de la subasta empieza por 8.500 dólares, ¿alguien da más?
Bueno, pues andamos en Madrid con un concurso para elegir el logo de la candidatura olímpica Madrid 2016. Hay 10 finalistas, y por votación popular se elegirán las 3 finalistas, de las que un jurado compuesto por representantes de la Fundación Madrid 16 elegirá el logo ganador.
Os pongo las que más me han gustado hasta el momento con lo que los autores dicen que quiere representar:
ESPEJO DEL MUNDO
La propuesta trata de representar la metáfora de MADRID como ESPEJO PARA EL MUNDO durante la celebración de los JUEGOS OLÍMPICOS de 2016. Una sola línea de trazado curvo, sinuoso, sin significado aparente, cobra sentido por efecto de una superficie roja que convierte un garabato en un mensaje.
Es un concepto muy sencillo: una superficie de color rojo se convierte en un espejo. Este espejo divide la letra M en dos mitades, una de ellas forma el número uno de DIECISEIS. Por otra parte, refleja el número DOS, de manera que sobre el fondo rojo aparezca como un SEIS. De este modo, el logotipo completo permite la fácil lectura del mensaje 2M16 (DOS MIL DIECISEIS), del cual queda remarcada la M de MADRID. El 16 surge también como reflejo de un 12, como si a través del espejo, se hubiera pasado de la decepción de 2012 al éxito (en rojo) del 2016.
MARIZ MARIZ
¿Cómo se recibe a los amigos? Con una sonrisa. ¿Cómo se dan a entender los amigos? Con un guiño cómplice. ¿Cómo queremos que se sientan los que nos visitan? Como amigos. Y todo expresado con un color muy cálido, el color rojo, el color del apasionamiento.
En la comunicación asociar ideas en los tiempos que vivimos, más que un recurso es una forma de lenguaje. La rapidez con la que una imagen se transmite se aprovecha al máximo, por eso este logo no trata de infundir cosas que Madrid sabe hacer de sobra, sino que trata de reflejar, para que todo el mundo lo sepa, que esta ciudad es hospitalaria, acogedora y capaz de realizar lo que se proponga.
UN RÍO DE ILUSIONES
El símbolo representa a Madrid y su Río, recuperado y potenciado. Está inspirado en un rasgo geográfico que identifica a la ciudad. La línea pretende ser un trazo irregular, desenfadado y artístico, como es la ciudad de Madrid. Las formas circulares recuerdan a las plazas de Madrid, recintos deportivos y a los anillos olímpicos.
LIGHT
Madrid es una ciudad cosmopolita, dinámica, en continuo movimiento como la luz. Madrid es enlace entre culturas y es un punto de partida al que siempre se acaba volviendo. El trazo vivo de la luz dibuja una "M" moderna, acorde con el año de celebración de los JJ.OO. y con el espíritu olímpico. No dejará indiferente.
Podéis ver las otras 6 finalistas y votar por la que más te guste en:
No sé si habéis leído un libro de David Trueba que se titula "Cuatro Amigos". La verdad es que a mí no me gustó, pero tenía una cosa muy curiosa al final de cada capítulo, que consistía en poner un fragmento del supuesto libro que estaba escribiendo el protagonista de la novela: "Escrito en servilletas". Para mí, esos fragmentos eran lo mejor del libro...
Como ejemplo, os pongo uno, muy romántico además, de los que más me llamó la atención:
Cuenta una leyenda china la historia de dos amantes que jamás logran reunirse. Se llaman Noche y Día. En las horas mágicas del atardecer y el amanecer los amantes se rozan y están a punto de encontrarse, pero nunca sucede. Dicen que si prestas atención puedes escuchar sus lamentos y ver el cielo teñirse del rojo de su rabia. La leyenda afirma que los dioses tuvieron a bien concederles algún instante de felicidad y por eso crearon los eclipses, durante los cuales los amantes logran reunirse y hacer el amor. Tú y yo también esperamos nuestro eclipse. Ahora que hemos comprendido que ya nunca volveremos a encontrarnos, que estamos condenados a vivir separados, que somos la noche y el día.
El sábado por la noche pasé por delante del Viaducto de la calle Segovia, y siempre que lo veo, además de quedarme alucinado con la altura que tiene, me vienen a la cabeza las películas españolas de Cine de Barrio, al estilo Paco Martínez Soria con coches 600 pasando por encima y por debajo. Vamos, que al final, no me veo cruzando por los pasos de cebra cercanos no vaya a ser que aparezca Sor Citröen.
Sigue siendo un escenario único para el cine, dado que los productores de "El ultimátum de Bourne" pidieron permiso para rodar allí, y aunque aún no la he visto, seguro que sacaron a Matt Damon como un chulapo más. Lamentablemente también ha sido un escenario negro para el cine, porque un especialista murió hace unos años durante el rodaje de "Canícula" al simular un suicidio. Por lo visto, el cable de seguridad era más largo que la propia altura del viaducto. Historias como ésta junto con las de suicidios comunes desde el mismo, hacen que alguna web macabra que otra hablen de fantasmas entre sus muros...
¿Y cuál es su origen? Leo en una web que la idea de unir el Palacio Real con San Francisco el Grande por medio de una gran avenida viene de tiempos de los Borbones, cuando Juan Bautista Sachetti en 1736, apuntaba la necesidad de conectar la entrada sur del palacio con una gran avenida que salvara el desnivel del barranco de la calle Segovia, consiguiendo así una entrada monumental. El problema radicaba en el elevado coste de la obra y la gran cantidad de tierra que habría que mover para conectar la Plaza de Armas con las Vistillas.
A mediados del XIX se volvió a retomar la idea pero trazando un viaducto que no siguiese el eje del palacio, sino como prolongación de la calle Bailén, uniendo los barrios de Palacio y San Francisco, y entre 1872 y 1874 el arquitecto Eugenio Barrón construyó el viaducto con una innovadora estructura de hierro y madera.
Durante la Segunda República el ayuntamiento convocó dos concursos públicos para construir un nuevo viaducto que sustituyera al que realizó Barrón, y el proyecto ganador de los arquitectos Ferrero, Aracil y Aldaz, consistía en una obra racionalista de hormigón armado pulido, formada por tres bóvedas de 35 metros de luz y cuatro nervios, prolongándose las obras hasta 1934.
En 1975 fue cerrado al tráfico y se barajó la hipótesis de derribarlo y remplazarlo por uno más moderno, aunque en última instancia se decidió mantenerlo y restaurarlo (1977-1978).
La última actuación sobre el mismo, fueron las pantallas de cristal que Álvarez del Manzano (¡vaya lastre de alcalde!) puso para evitar los suicidios que se cometían desde el mismo.
Tiene varias leyendas, la primera, del siglo XVIII, cuando una joven se arrojó por el viaducto por no poder casarse con su amor, pero no murió porque sus faldas frenaron la caída. También es muy popular la anécdota sobre un poeta que haciéndose pasar por un suicida consiguió durante varios días que le llevaran arrestado y pasar así la noche en el calabozo con comida caliente y un techo bajo el que dormir.
Fuentes: www.madridhistorico.com y www.esmadrid.com , entre otras
Siempre me resulta muy complicado recomendar libros, así que no sé muy bien cómo me he metido en este lío de hacer un blog en el que mi aportación principal va a ser básicamente esa, pero así ha sido, así que ya sólo me queda tirarme a la piscina y ver qué tal me sienta.
Voy a empezar con un libro bastante reciente y, creo, no muy conocido. Se titula “El curioso incidente del perro a medianoche”, de Mark Haddon.
Para empezar se podría decir que es un libro distinto, original. Es de esos libros que cuando lo empiezas te atrapa de tal forma que, a lo largo del día, te sorprendes a ti mismo pensando en él y deseando poder tenerlo en las manos para continuar la lectura donde la habías dejado. En cualquier caso, esa sensación no dura mucho, porque es un libro fácil de leer y se termina enseguida.
Además es divertido, te lleva con una sonrisa desde la primera página hasta la última, pero no por ello trivial, sino que te permite reflexionar sobre muchos aspectos de la vida. Te muestra una manera distinta de ver el mundo.
No quiero contar aquí nada sobre el argumento. Creo que es mejor no saber nada de él hasta que lo empieces a leer, así conseguirá sorprenderte aún más.
Me encantaría que cualquiera que se haya leído el libro y vea este blog, haga su comentario al respecto, incluso si es negativo, que siempre vienen bien las discusiones, para poder conocer distintos puntos de vista.
Pues nada más. Este es mi estreno como blogista (¿se dirá así?).
Vincent van Gogh pintó este lienzo, "Trigal con cuervos", en Auvers-sur-Oise, en julio de 1980, poco antes de quitarse la vida. Antes de hacerlo Van Gogh estuvo internado en un hospital de Arlés y en un asilo para enfermos mentales de Sant-Rémy, tras sufrir una grave crisis nerviosa y cortarse una oreja durante una fuerte discusión con su amigo, el pintor Paul Gauguin.
El cuadro “Trigal con cuervos” nos invita a reflexionar, así que antes de continuar leyendo se debe contemplar, por lo menos, unos minutos…
¿Listos para comentar lo que hemos observado? Lo primero que habrá llamado nuestra atención son los colores. El intenso amarillo del trigo subyace bajo un cielo azul iluminado que en la parte superior del cuadro se tiñe de negro. Los colores están separados por la línea del horizonte, es decir, el azul quedará en un recinto superior mientras que vibrantes amarillos ocuparán el espacio inferior del cuadro. Sólo existe una mezcla del azul y el amarillo, el verde del camino, que tiene un tono menos intenso que los otros colores.
Pensemos cómo hubiésemos pintado nosotros un cuadro sobre el mismo motivo. Para empezar, seguramente habríamos escogido otra situación, probablemente sería de día, e intuitivamente emplearíamos unos colores más suaves. Incluso si hubiésemos pintado un trigal de noche no usaríamos ese tono de amarillo, pues de noche lo veríamos más oscuro. Van Gogh ha escogido este difícil contraste de color causando un profundo desasosiego al observador que hace pensar en un pintor atormentado. Las pinceladas aisladas que segregan el color crean un conjunto que deberá verse a cierta distancia del cuadro y formarán una impresión desapacible para el espectador.
Van Gogh dejó como legado más de setecientas cartas enviadas a su hermano Thèo, el que fuera también su marchante. En una de estas cartas, Van Gogh describe algunos de sus últimos cuadros: “Son vastos trigales bajo de atormentados cielos, y no necesito salirme de mi camino para intentar expresar tristeza y extrema soledad. Espero que los veas pronto, porque espero llevártelos a París tan pronto como me sea posible, ya que casi creo que estos lienzos te dirán lo que no puedo decir en palabras: la salud y las fuerzas tonificantes que veo en el campo”. Aunque probablemente esta carta no hace referencia a este cuadro en concreto, sí lo hace a esta época de su vida y a los motivos que pintaba entonces. En el escrito reconoce su tristeza y su soledad, y paradójicamente las compara con las fuerzas de la naturaleza. Relacionando esta confesión con el cuadro “Trigal con cuervos” veremos que éste no muestra una noche triste y melancólica sino una situación inquietante, llena de fuerza. Por lo tanto, el cuadro no expresaría su tristeza sino su turbación.
Al reparar en el camino nos damos cuenta de que la pintura sitúa al observador sobre él y que invita a decidir que hacer, ¿continuar su recorrido hacia el horizonte?, ¿volver por donde hemos venido? No sabemos que encontraremos al final de su recorrido pero parece que es el camino que el pintor ha escogido para nosotros, ¿acaso vemos lo queda atrás? No es posible, el camino está pintado a partir del punto en el que se sitúa el espectador. No sabemos lo que encontraríamos al retroceder, incluso podría no haber camino. Obligados a recorrerlo vemos que nos conducirá hacia los cuervos. ¿Hacia donde vuelan los cuervos?, ¿hacia nosotros o bien se están alejando? No se ve claramente. Si se alejasen podríamos estar más tranquilos pero podría suceder que se dirigiesen hacia nosotros y nos diesen alcance. Esta incertidumbre nos devuelve a la misma emoción de turbación y de duda.
En una de sus cartas, el pintor escribe “las emociones son algo tan fuerte que se trabaja sin darse cuenta de ello”. Como conclusión entendemos que en este cuadro Van Gogh pintó su agonía cerca del final de su vida y nos deja una profunda emoción de dudas y tormentos que él mismo no pudo resolver.
Bueno, pues hoy es buen día para arrancar, que por algo es lunes... Así que... BIENVENIDOS HIJOS DEL ROCK AND ROLL!!! Aquí están... ¡¡¡LOS CHONIS!!!
Nos presentamos, por orden de vejez y por instrumento:
Con el número 1 y en el bajo... ¡¡Chico Lobo y yo!! Bajo ese nombre una persona de lo más interesante que habla sola por la calle... Bueno, dice que no habla sola, dice que habla a Chico Lobo, su fiel amigo... Como un cencerro, vamos... Pero esperemos que haga las delicias de los lectores. Aunque es tímida y le costará escribir. Ojalá al menos consigamos que escriba cartas a Chico Lobo desde este blog. Ojito que cuando se suelta, que ella es la auténtica Chica Loba.
Con el número 2 y en la batería... ¡¡Me gusta el queso aunque no lo confieso!! Sí, la típica persona que boicotea cualquier ración de queso en los bares con la excusa de que no le gusta, pero que se lo devora cuando lo tiene a su lado. También está como un cencerro, aunque va más de cultureta. Por aquí dicen que hablará de arte, de cuadros, pintores y lo que le venga en gana. Eso sí, si hay una comida que de verdad detesta, ésas son las ancas de rana.
Con el número 3 y en el teclado... ¡La teleco que quería ser librera!! También del estilo de Chico Lobo y yo, costará que escriba, pero seguro que a la larga se anima y os habla del mes morado y de lo que le apetezca. Pura fantasía y puros ideales. Si por ella fuera, los sueldos y las variables se pagarían en chuches y días morados. Quiere montar una librería-papelería con empleados indios y piruletas de regalo con cada compra. Le gustan los fotógrafos rusos.
Con el número 4 y con la flauta travesera... ¡¡Las navajas son pá mí sola!! Nunca hagas una apuesta con ella. Tiene muy mal perder. Yo una vez me jugué unas navajas (sí, ¡vaya apuesta!), pretendiendo hacer piña con ella y que las pagara el que la perdiera pero para comérnoslas juntos, y tuve que anularla porque quería el plato para ella sola si era la ganadora. También adora a los rusos. Será la que más hable en este blog, tanto de cosas reales como de cosas de Pinto, y cruzo los dedos para que no haya que censurarla.
Con el número 5 y con las maracas... ¡¡El friki del universo!! Ama los planetas, las estrellas y los satélites por encima de cualquier cosa terrenal. Seguidor acérrimo de Max Aub y de la Evolución de las Especies de Darwin, su capacidad de sorprender con nuevas aficiones no tiene límites. Y esperemos que las cuente aquí. Aún no ha salido de Las Ventas a hombros, pero algún día lo hará.
Y con el número 6 y con el triángulo... ¡¡No me hables que no te pillo esa frecuencia!! Y es que me hago el sordo con tal de que la gente se ría, aunque si fuera verdad, ¿qué?, como dice mi abuelo: "Total, ¡para lo que hay que oir!". Amante de Madrid, de todo lo celta y de las patatas con cabrales (sí, a Me gusta el queso aunque no lo confieso le encantan... ¡Qué rápido nos váis conociendo!).
Primero fueron Astérix y Obélix, Tintín y Milú...
después llegaron Los Hermanos Dalton,
más tarde D´Artacan y los Mosqueperros,
después Los Cinco...
y ahora llegan ¡¡Los Chonis!!
